Модернизм в архитектуре представлен разными течениями, которые появились в начале 20 века в противовес романтическому Модерну . Заметим, что существует много путаницы в определениях этих двух стилей или направлений.
Модерн или модернизм: как разобраться
Модернизм в архитектуре СССР (Конструктивизм) Конструктивизм
Получил признание в Советском Союзе в прошлом веке в 1920-е годы и начале 1930-х годов. Он сочетал передовые технологии и технику с общепризнанной в государстве целью — построения коммунизма. Наделён механистическими и динамическими формами.
Абстрактный стиль или абстракционизм
Данное направление соприкасается с авангардом и продвигает отказ от изображения реальных форм вещей. Такие архитектурные стили и их особенности, как кубизм и супрематизм — его производные.
Заменяет симметрию и статику на асимметрию и равновесие масс.
Модернизм в архитектуре СССР (Абстракционизм). Я. Чернихов. Композиция №28 (1925–1933 гг.) Модернизм в архитектуре Голландии: Де Стейл (De Stijl)
Данный стиль образован как художественное движение обществом художников, в голландском городе Лейден в 1917 году. Ещё именуется неопластицизмом . На движение Де Стейл повлияли картины кубистов и движение DaDa с их идеями об идеальных геометрических формах. А работы Де Стейл, в свою очередь, повлияли на стиль Баухауз и Интернациональный стиль. Влияние этого движения на архитектуру можно увидеть больше всего в доме Ритвельд Шредер, который является единственным зданием, созданным исключительно с использованием принципов De Stijl — белые и серые стены, черные дверные рамы и множество элементов, окрашенных в яркие основные цвета.
Стиль Де Стейл. Дом Ритвельд Шредер, Голландия Модернизм в архитектуре Германии: Баухаус
Здание Bauhaus, Дессау, Германия Стиль получил название, благодаря одноимённому художественному объединению, основанному в Германии немецким архитектором Вальтером Гропиусом. Несмотря на свою относительную недолговечность (с 1919 по 1933 год), он оказал огромное влияние на дизайн двадцатого века, классический современный стиль и авангард.
Одной из основных целей Баухауза было сочетание широкого спектра искусств — архитектуры, скульптуры, живописи с ремеслами и техникой, где функциональность стоит на первом месте.
Минималистский внешний вид зданий, ориентация на упрощенные геометрические формы, отсутствие декора является признаком революционных принципов Баухауза — красоты и простоты.
Минимализм
Истоки минималистской архитектуры восходят к кубизму, De Stijl и Bauhaus. В некотором роде, эти движения были похожи между собой.
Здание Farnsworth House, 1951, Mies, штат Иллинойс, США Например, движение Де Стиль одобрило простоту и абстракцию и уменьшило художественное оформление до его основной формы и цвета. Они основывали свою философию дизайна на функционализме, прямолинейности плоскостей и устранении декоративной отделки поверхности, как это показано в доме Шредера Ритвельда.
С другой стороны, Баухаус был основан как художественная школа в Германии с целями продвижения массового производства и объединения ремесел с технологиями. Баухаус разделял принципы Де Стиль в функционализме, чистоте и уменьшении формы.
Всего несколько секунд на видео показывают суть минимализма:
В дополнение к Bauhaus и De Stijl минималистская архитектура находилась под влиянием традиционной японской архитектуры, оценив её простоту.
Этот стиль демонстрирует определенные характеристики формы, света, пространства и материала наряду с такими методами как
- сокращение,
- упрощение и
- унификация.
Минималисты считают эти характеристики сущностью архитектуры.
Минимализм устраняет несущественные детали, уменьшая и уплотняя содержимое проекта до минимума необходимых элементов, параметров и средств, таким образом определяя его форму.
Функционализм
Архитектурный стиль 20 века, который привёл в соответствие здания и сооружения с их функциями. Зародился в Германии, в школе «Баухауз», и Нидерландах. Хотя функционализм и не является исключительно современной концепцией, он тесно связан с современным стилем архитектуры, который сложился в течение второй четверти 20-го века.
Автор: Foto: Jonn Leffmann, CC BY 3.0 , Ссылка
Прогрессивная строительная техника, необходимость в новых типах зданий, изменения культурных и эстетических идеалов повлияли на популярность этого направления. Главным лозунгом в архитектуре становится удовлетворение практических потребностей. Самое сильное влияние направления наблюдалось в Германии, Чехословакии, СССР и Нидерландах.
Брутализм
Модернизм в архитектуре Индии. Брутализм. Здание Текстильной ассоциации (Mill Owners’ Association Building), Ахмедабад Модернизм в архитектуре Брутализм представляет с 1950-х до середины 1970-х годов. Бруталистские здания имеют повторяющиеся модульные элементы функциональных зон, которые отчетливо сформулированы и сгруппированы в единое целое. Поверхности литого бетона сделаны, чтобы подчеркнуть основной материал конструкции с текстурой деревянной опалубки, используемой для литейных форм. Строительные материалы, используемые в этом стиле включают кирпичи, сталь, стекло, необработанный камень. Представляет резкий контраст с изысканными и орнаментированными зданиями, построенными в элитном стиле Beaux-Arts (Боз-Арт).
Как иллюстрацию путаницы в течениях Модерн и Модернизм, можно посмотреть короткое видео (скорее всего сделанное на основе англоязычных источников), в котором модернистские здания идут в одном ряду с Модерном.
Стиль модерн, он же Ар Нуво, однозначно является моим самым любимым стилем. Более того, дизайн моего сайта по всем признакам выполнен именно в стиле Ар Нуво, как оказалось. Это и синий цвет, и растительные орнаменты, и насыщенность композиции, и обилие плавных линий. Модерн очень интересный стиль в плане прикладного применения в живописи, архитектуре, декоре интерьеров. Именно благодаря этой своей практичной особенности распространяться на смежные сферы искусства, модерн обрел сегодня второе рождение. По крайней мере, очень удобно оформлять среду проживания в одном стиле, начиная с ограды у входа и заканчивая обложкой книги.
(от фр. moderne — современный) — художественное направление в искусстве. Представителей модерна объединяло антиэклектическое движение — стремление противопоставить свое творчество эклектизму предыдущего периода. Его отличительными особенностями является отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий, интерес к новым технологиям (например в архитектуре), элементам прикладного искусства.
В разных странах стиль модерн назывался по-разному: в США — тиффани (по имени Л. К. Тиффани), во Франции — Ар Нуво (фр. art nouveau, новое искусство), в Германии — югендстиль (нем. Jugendstil, молодой стиль), в Австрии — стиль Сецессион (Secessionsstil), в Англии — модерн стайл (modern style, современный стиль), в Италии — стиль либерти, в Испании — модернизмо, в Нидерландах — Nieuwe Kunst, в Швейцарии — еловый стиль (style sapin).
Период Модерна относительно короток, имеет достаточно четкие хронологические границы: от конца 1880-х и до 1914 года, начала первой мировой войны, оборвавшей естественное развитие искусства в большинстве стран Европы. В период модерна происходило стремительное переосмысление старых художественных форм и приемов, сближение и слияние различных видов и жанров искусства. Художники модерна дерзко ломали привычные нормы и границы. Главным содержанием периода модерна стало стремление к открытию новых методов, стилей, форм, синтезу различных источников.
Художники модерна использовали в своем творчестве разные формы: греческой архаики, крито-микенского искусства, античной классики, экзотического искусства Китая и Японии, Готики и Ренессанса, искусства этрусков и французского Рококо. Одним из основных выразительных и стилеобразующих средств в искусстве модерна стал орнамент. Стремление к целостности, пластичности внешних и внутренних, декоративных и конструктивных элементов композиции, динамика и текучесть форм и есть отличительные особенности стиля Модерна.
Представители стиля модерн стремились к рациональному стилистическому единству, чтобы картинам и шпалерам, украшающим стены, соответствовали мебель, изделия из стекла, столовые приборы, а также одежда, ювелирные украшения и вообще все, что находится в оформленном ими пространстве. В модерне присутствует декоративность и двухмерность изображения, бег извилистых гибких линий, плоскостные узоры. И было не важно, предназначался ли такой декор для книжной обложки или же для фасада здания.
У истоков французского модерна стояли Поль Гоген и художники его круга. Также наиболее известным мастером Ар Нуво во Франции был Анри де Тулуз-Лотрек. Важную роль в развитии Ар Нуво во Франции сыграли архитектор Эктор Гимар, ювелир Рене и художник по стеклу и мебели Эмиль Галле. Значительное место в искусстве Ар Нуво принадлежит известным бельгийским архитекторам Анри ван де Велде и Виктору Орта. В Испании архитектор Антонио Гауди отличался наиболее индивидуальным и оригинальным вариантом Ар Нуво.
В Великобритании черты, характерные для нового стиля, появились в оформлении книг уже с начала 1880-х. Одним из наиболее известных художников-графиков Ар Нуво был Обри Бёрдсли , его эксцентричные рисунки иллюстрировали литературные произведения. Одним из ведущих представителей модерна в Великобритании был Ч.Р.Макинтош, шотландский архитектор и дизайнер, выполнявший самые разные художественные работы – от архитектурных проектов до эскизов обоев и изделий из серебра. Творчество Макинтоша оказало огромное влияние на развитие европейской архитектуры и искусства.
В США архитектор Луис Салливан использовал орнаменты в стиле модерн для украшения фасадов спроектированных им зданий. Ведущим представителем Ар Нуво был Луис Комфорт Тиффани, живописец и художник по стеклу. Он изобрел уникальное стекло с радужным отливом, которое назвал favrile и использовал при изготовлении своих знаменитых ваз и ламп в форме цветов.
Также представителями модерна можно назвать следующих художников – , Фердинанд Ходлер, Ян Тороп,
Само понятие модерн, или, как его еще называют, ар-нуво, в буквальном смысле означает "новый", "новое искусство". В эпоху стремительно развивающейся промышленности художественное творчество тоже претерпевало изменения. Стремление к новому выражалось в бунте против вековых устоев в мире искусства, где не было места яркости и неординарности. Все подчинялось строгим законам стиля и композиции, которые оставили в наследство после себя старые мастера.
Возникновение стиля
Как правило, большинство художников работало в реалистичной манере. Они изображали сюжеты из повседневной жизни и окружающей действительности, тогда как художник-модернист стремился задействовать свое воображение. Он руководствовался прежде всего своим восприятием мира, вместо того чтобы просто копировать то, что видит. Он никак не мог выразить себя в рамках традиционного искусства. Поэтому создал свой стиль, который не опирался на опыт прошлого, был самобытен и менял само представление о красоте.
Мы привыкли воспринимать модерн исключительно как продукт 20-го века. Однако прочный фундамент для него заложили художники-модернисты 19 века, такие как Эдуард Мане, Анри де Тулуз-Лотрек, Поль Гоген, Винсент Ван Гог, Обри Бердслей, Эдвард Мунк, Поль Сезанн и другие. Именно их произведения дали модерну дорогу в жизнь.
Венский "Сецессион"
В разных уголках Европы модерн приобретал разные формы и по-разному себя выражал. Одного из самых известных и узнаваемых художников-модернистов 20 века миру подарила Австрия. Речь идет о Густаве Климте. Его орнаментальные, символические и яркие работы невозможно спутать ни с чьими другими. Они привлекают к себе внимание обилием золотого цвета и пышными узорами.
Но Климт был далеко не единственным художником-модернистом в Австрии. В 1897 году он объединил местных творцов-новаторов в сообщество под названием "Венский Сецессион". Оно выступало против консерватизма и академизма в творчестве. Помимо Густава Климта туда входили Йозеф Хофман, Коломан Мозер, Макс Курцвайль, Йозеф Мария Ольбрих и другие художники и архитекторы.
Павильон для проведения выставок был спроектирован и построен участниками объединения. Проектом руководил Ольбрих, а интерьеры продумывал Мозер. Первая выставка там состоялась в 1898 году. Также благодаря "Сецессиону" Вена познакомилась с работами импрессионистов.
Еще один, почему-то малоизвестный, но не менее значимый для эпохи модерна австрийский художник, Йозеф Мария Аухенталлер. Его творческая деятельность была очень обширна. Он был живописцем, графиком, иллюстратором, гравером, ювелиром и фотографом, занимался дизайном текстиля. Он также вошел в состав "Венского Сецессиона".
Лозунгом австрийских художников-модернистов были слова критика Людвига Хевеси: "Эпохе - свое искусство, искусству - своя свобода".
Такой разный
Модерн в Великобритании проявился в книжной графике еще в конце 19-го столетия, когда художник Обри Бердслей проиллюстрировал роман "Смерть Артура" в своей неподражаемой манере. Его черно-белые иллюстрации отличались изяществом форм и утонченностью линий.
Заслуживает упоминания и Чарльз Макинтош, который внес свой вклад в развитие модерна в архитектуре Великобритании.
Германия и Скандинавия известна своим "югендштилем". В нем архитектура объединяет в себе живопись и декоративно-прикладное искусство в одно гармоничное целое. Ему присуща плавность и текучесть линий, витражи с цветочным орнаментом в виде лилий и ирисов, кованый металл, широкие окна, золотой цвет. Среди известных архитекторов-модернистов были Бруно Юлиус Флориан Таут, Петер Беренс, Август Эндель.
В США модерн выразил себя в витражном искусстве. Американский дизайнер и художник по стеклу Луис Комфорт Тиффани изготавливал вазы и лампы цветочных форм, которые украшал стеклом собственного изготовления. Материал отличался радужным отливом и приобрел огромную популярность. Витражи Тиффани не утратили славу и по сей день.
Альфонс Муха
Отдельное место в модерне и в сердцах многих ценителей занимает Альфонс Муха. Художник чешского происхождения завоевал мировую славу благодаря театральным афишам и рекламным плакатам в стиле модерн, или ар-нуво. Интересно, что молодой Муха посылал свои работы в художественное училище. Они были возвращены с пометкой о полном отсутствии в них таланта. Но позже, когда Альфонс занимался росписью стен в графском замке, его работу заметил профессор академии, и был ею восхищен. Его обучение взялся оплачивать граф Куэн. Так начался творческий путь художника.
Благодаря работам Альфонса Мухи стиль ар-нуво был возведен в разряд культа. Художник творил и выполнял заказы во Франции, Германии, США. Символом стиля стали лилии, цветы цикламена, ирисы. Стилизованные растительные и животные формы, с плавными и текучими линиями.
Любимым объектом Альфонса Мухи была грациозная фигура прекрасной женщины, окруженная цветами и орнаментом. Помимо плакатов и иллюстраций, художник-модернист Муха занимался дизайном интерьеров и ювелирных украшений, писал трактаты по искусству. В Париже, на Всемирной выставке декоративно-прикладного искусства, Альфонс Муха был объявлен самым выдающимся представителем модерна.
Модернисты Серебряного века
Появление ар-нуво в России примерно совпадает с началом Серебряного века в литературе. Первые русские художники-модернисты в конце 1880-х годов образовали кружок под названием "Мир искусства".
Поначалу общество состояло из Александра Бенуа, Льва Бакста, Евгения Лансере, Сергея Дягилева и Константина Сомова. Постепенно к ним присоединяется все больше участников.
Руководителем стал Сергей Дягилев. Он занимался организацией выставок и продвижением художников-модернистов Серебряного века на европейский рынок. Постепенно кружок перерастает в творческое объединение. Туда входит весь цвет русской живописи. Список имен художников-модернистов Серебряного века слишком велик. Среди них особое место занимали Михаил Врубель, Валентин Серов, Исаак Левитан, Михаил Нестеров, Николай Рерих.
Мастера русского модерна
Отдельного упоминания заслуживает Михаил Александрович Врубель. Он был не только живописцем, но и декоратором, книжным иллюстратором. Также расписывал стены и витражи. Одним из известнейших мотивов его творчества является образ Демона, навеянный поэзией Лермонтова.
Врубелевский персонаж выступает скорее в роли страдающего лирического героя, чем грозной разрушительной силы. На картине "Демон сидящий" об этом отчетливо говорит его поза и полные тоски глаза.
Также в творчестве Врубеля был заметен уклон в сторону народного стиля. К нему относятся картины на тему русских былин и сказок: "Пан", "Микула Селянинович", "Царевна-Лебедь", а также религиозные и иконописные сюжеты. Александр Бенуа считал, что именно Врубель выразил все самые прекрасные и печальные стороны Серебряного века.
Наряду с Михаилом Александровичем значимой фигурой русского модерна был Михаил Васильевич Нестеров. В его творчестве звучат религиозные мотивы с пейзажами северной природы. Более всего он известен церковной живописью. Например, мозаичные работы на фасаде петербургского храма Воскресения Христова выполнены по его эскизам.
Еще один известный представитель художников-модернистов России - Николай Константинович Рерих. Он работал с невероятной плодотворностью. Его наследие живописных работ насчитывает более семи тысяч. Еще при жизни он приобрел мировую известность.
Свои картины на мифологические сюжеты, преимущественно славянские, Рерих писал чистыми интенсивными цветами. Одна из самых известных его работ - "Заморские гости". Она написана крупными, энергичными мазками и выразительным цветом. В ней отчетливо передано течение воды и движение паруса.
Эволюция модернизма
На сегодняшний момент под понятием "модернизм" объединяют несколько художественных направлений. К ним относятся: кубизм, абстракционизм, импрессионизм, экспрессионизм, символизм, дадаизм, фовизм, футуризм, сюрреализм, постмодернизм. В каждом из этих направлений есть свои яркие представители.
Некоторые связывают зарождение модернизма с появлением в 1863 году во Франции "Салона отверженных". Тут выставляли свои картины импрессионисты. Их идеи отвергались официальной художественной критикой, однако это лишь способствовало возрастанию их популярности. Импрессионизм дословно переводится как "впечатление". Художники старались запечатлеть подвижность и переменчивость мира, передать свое мнение о нем.
Среди самых ярких представителей можно выделить Эдуарда Мане, Клода Моне, Эдгара Дега, Огюста Ренуара, Поля Сезанна.
Основная фигура в кубизме - это Пабло Пикассо. Для кубизма характерно разбиение изображения на условные формы и примитивные фигуры.
Абстракционизм тесно связан с Василием Кандинским. Особенность этого стиля заключается в гармоничном сочетании геометрических форм и цветовых пятен. При этом каждый оттенок был символичен и нес определенную смысловую нагрузку.
Кандинский отождествлял абстракционизм с музыкой. В одном из своих трактатов он писал: "Художник - рука, которая с помощью той или иной клавиши заставляет человеческую душу вибрировать".
Поздний модернизм
Сюрреализм - более позднее проявление модернизма - возник в 20-х годах прошлого столетия и стал широко известен благодаря эксцентричным работам Сальвадора Дали. Данный жанр представляет собой неограниченный полет воображения. Столкновение реального и нереального.
Символизм, пожалуй, самое раннее проявление модерна. Стиль возник еще в 1870-х годах. Символизм - широкое понятие, которое относится не только к живописи, но и к музыке и литературе. Символисты активно экспериментировали с художественными средствами и темами. Этот стиль был популярен и среди российских живописцев. Его ярким представителем был Виктор Борисов-Мусатов.
Фовизм принадлежит французской живописи. Яркость цветов, динамичность мазков, обобщенные формы - вот основные характеристики фовизма. Главной фигурой в этом стиле считается Анри Матисс. Хотя термин "фовизм" и переводится с французского как "дикий", сами приверженцы стиля не признавали это определение.
Футуризм позиционировался как искусство будущего. Был широко распространен в Италии и России. Он отталкивался от технологического и урбанистического развития мира, стремился выразить его красоту и динамику. Художественные приемы футуризма схожи с фовизмом и абстракционизмом. Но основной упор делается на передачу ритма и движения современной жизни. У русского футуризма судьба весьма трагична. Некоторые его представители, например Игорь Терентьев, были расстреляны, некоторые - отправлены в ссылку, остальные - преданы забвению.
Дадаизм представлял собой коллажи из газетных и журнальных вырезок. Как самостоятельный стиль просуществовал недолго и слился с сюрреализмом и экспрессионизмом.
Экспрессионизм и абстрактный экспрессионизм призваны передать эмоциональное состояние художника или его впечатление от той или иной вещи, человека и события. И хотя этот термин широко распространен, определенного художественного движения под этим названием не существовало.
Самый поздний виток развития модернизма - это постмодернизм. Это был окончательный эстетический переворот в Европе в середине 20-го века. Главной чертой его стало соединение элементов различных культур - Востока, Африки, Индии, Западной Америки, европейской культуры. Постмодернизм состоял из студенческих групп, которые стремились привнести в потребительское общество новую сверхидею. Но по сути это была своеобразная форма эстетического бунтарства. Наиболее яркие представители стиля - Йозеф Бойс и Сандро Киа.
Самые значимые картины
Среди всего творческого многообразия можно выделить наиболее значимые картины известных художников-модернистов, которые стали примером зарождающегося стиля и ветвями его развития.
Первой, пожалуй, будет картина "Завтрак на траве" Эдуарда Мане. Она была настолько нетипичной для своего времени, настолько не вписывалась ни в какие рамки традиционной живописи, что была не принята на официальную выставку в Парижском салоне и осмеяна критиками. Тем не менее Мане выставил ее в "Салоне отверженных". Там она ознаменовала собой новую эру в искусстве, лишенную страха самовыражения.
Вторым, более поздним примером переворота в творчестве, стала картина Пабло Пикассо "Авиньонские девицы". Впоследствии ей был присвоен статус иконы модернизма. Сам Пикассо о своей живописи писал, что изображает не объект, а свое отношение к нему.
И третья по счету, но не по значимости, - картина русского художника-модерниста Казимира Малевича "Черный квадрат". Она настолько известна, что не нуждается в представлении. Это своеобразная икона русских художников-модернистов 20 века. В то время стиль дробился и принимал причудливые формы.
Для самого Малевича картина стала отправной точкой, переходом на новый уровень беспредметного творчества, которое он назвал "супрематизм". Этот новый стиль являл собой сочетание упорядоченных простых геометрических форм. Казимир Малевич называл свой "Черный квадрат" первым шагом чистого творчества.
Заключение
Если бы пришлось составлять полный список художников-модернистов, тех, кто так или иначе связан с развитием стиля, то рамок данной статьи было бы явно недостаточно. Ибо он столь велик, что хватит на целую книгу.
Трудно переоценить поистине глобальный переворот в искусстве, который произвели художники-модернисты и их картины. Они заставили общество посмотреть на мир по-новому. Увидеть в нем другие краски, формы и содержание.
В начале 20-го века все ценности культурного наследия прошлых лет были пересмотрены, некоторые оставлены позади в прошедшем столетии. Мир захлестнули перемены. Этому способствовали и изящный венский модерн, и утонченный французский ар-нуво, и постмодернистские идеи в творческом самовыражении.
Благодаря творцам мир изобразительного искусства навсегда изменился, стал более открытым, свободным, новым. Теперь поклонники живописи столетиями могут наблюдать за художественным развитием прошлого.
В конце XIX в. в искусстве появляется новый стиль, приверженцы которого пытаются отойти от историзма и эклектизма современного искусства. Этот стиль получил название модерн (от латинского modernus - новейший, современный).
Ярче всего модерн проявился в архитектуре, книжном оформлении, искусстве плаката. Затронул он также скульптуру и живопись.
Впервые новый стиль заявил о себе в Англии. В других западноевропейских странах модерн сформировался в 1880-х гг. Во Франции он носил название «ар нуво», в Германии - «югендстиль», в Австрии - «сецессион», в Италии - «либерти», в Испании - «модернисмо», в Польше - «сецесия».
Появление подобного искусства во многом предопределило творчество У. Морриса, Дж. Рёскина, прерафаэлитов и английских графиков У. Блейка и У. Крейна.
Живопись модерна характеризуется внешней декоративностью, стилизацией, плоскостной орнаментальностью. Нередко художники в своих произведениях использовали растительные мотивы. Стебли, листья и цветы как будто увядших экзотических растений сплетались в причудливый узор, в котором иногда появлялись фигуры женщин или фантастических существ. Плавные контурные линии, вытянутые фигуры, соединяющиеся цветовые плоскости (нередко монохромные) делали изображение очень эффектным. Благодаря таким качествам живописный язык модерна нередко использовали символисты для воплощения своих идей и образов.
С искусством модерна связаны имена таких известных художников, как П. Гоген, П. Боннар, М. Дени, Э. Вюйар, П. Серюзье во Франции, Э. Мунк в Норвегии, Ф. Ходлер в Швейцарии, Г. Климт в Австрии, Ф. фон Штук в Германии.
Ярким представителем модерна в книжной графике был О. Бёрдсли.
Обри Бёрдсли
Обри Винсент Бёрдсли родился в 1872 г. в состоятельной английской семье. В 1891 г. он поступил в Вестминстерскую художественную школу Ф. Броуна. В свободное от занятий время молодой художник отправлялся в лондонские музеи и галереи. Большое впечатление на него произвело искусство А. Дюрера, Микеланджело, С. Боттичелли. Особое восхищение Бёрдсли вызывали гравюры А. Мантеньи, с которых он делал копии.
Значительное влияние на формирование художественного стиля Бёрдсли оказало искусство японской гравюры, творчество французских живописцев XVIII в. и произведения прерафаэлита Э. Бёрн-Джонса. Немного позднее его внимание привлекло творчество К. Лоррена, А. Ватто, П. Прюдона, Ж. Калло и Г. Моро.
В конце 1891 г. к Бёрдсли пришла настоящая известность. Самой крупной работой этого периода стала серия иллюстраций к «Сказаниям о короле Артуре» Джона Дента. В том же году художник познакомился с Э. Бёрн-Джонсом, искусством которого всегда восхищался.
С 1893 г. Бёрдсли работает над иллюстрациями для журналов, часть которых издается под его руководством («Желтая книга», 1894-1895, совместно с Х. Харлендом; «Савой», 1896, совместно с А. Саймонсом), а также создает рисунки для книг (иллюстрации к «Смерти Артура» Т. Мэлори, 1893-1894; к «Саломее» О. Уайльда, 1894; к рассказам Э. По; к «Похищению локона» А. Пуопа, 1896; эскиз для обложки и заставка к роману «Сцены парижской жизни» О. Бальзака, 1897; иллюстрации к «Вольпоне» Б. Джонсона, 1897). В этих немного легкомысленных и изящных работах заметно влияние французской гравюры XVIII в.
Вместе с популярностью к Бёрдсли приходит материальное благополучие. Но это не спасает его от тяжелой болезни - туберкулеза, который с детства мучает художника. Отсюда и глубокий трагизм, пронизывающий иллюстрации Бёрдсли к «Падению дома Эшер» Эдгара По.
Эротические рисунки Бёрдсли к «Правдивой истории Лукиана» вызывают негодование со стороны официальных кругов. Эти иллюстрации в 1895 г. и стали причиной ухода художника из «Желтой книги».
В 1896 г. Бёрдсли едет лечиться на курорт в Ипсом. В этом же году он создает очень остроумные и эротичные иллюстрации к «Лисистрате» Аристофана, а также к сатире Ювенала. Через два года умирающий художник будет умолять издателя уничтожить фривольные рисунки, но, к счастью, последний не выполнил просьбы и сохранил для нас замечательные творения английского графика.
О. Бёрдсли. Обложка к журналу «Савой». 1896 г.
О. Бёрдсли. Туалет. Иллюстрация к поэме А. Пуопа «Похищение локона». 1896 г.
В ряде произведений Бёрдсли заметен интерес к религиозным и мистическим сюжетам. Увлечение оккультными науками отразилось в рисунке, названном автором «О Неофите, или Как он был посвящен в черную магию демоном Асомуэлем» (1893). Имя демону, олицетворяющему бессонницу, придумал сам Бёрдсли.
Не менее загадочным кажется рисунок «Поцелуй Иуды» (1893), свидетельствующий об интересе художника к духовному, внутреннему миру человека. Эти же мотивы присутствуют и в других произведениях Бёрдсли.
Обри Бёрдсли, проживший очень короткую жизнь (он умер в 1898 г.), оставил глубокий след в европейском искусстве. Утонченные и хрупкие, но в то же время ироничные и живые рисунки английского графика оказали большое влияние на мастеров последующих поколений.
Густав Климт
Густав Климт, австрийский живописец, график и декоратор, крупный представитель венского модерна, родился в 1862 г. в Вене.
В 1876-1883 гг. Климт учился в венской Школе художественных ремесел у живописца Ф. Лауфбергера. Первые его картины - это исторические композиции, отразившие влияние академического искусства.
Вместе с Х. Макартом Климт занимался монументальными декорациями. Среди подобных работ - живописное панно лестницы Музея истории искусства в Вене (1891). Эта работа, как и аллегорические композиции 1890-х гг. («Любовь», 1895), напоминает живопись художников-символистов Я. Тооропа и Ф. Кнопфа.
Большую роль в развитии венского модерна (югендстиля) сыграл «Сецессион» - объединение художников и архитекторов, отвергавших традиции академического искусства. В 1897 г. Климт стал президентом «Сецессиона». В начале 1900-х гг. художник, исполняя заказ Министерства культуры, создал три монументальных панно для актового зала Венского университета («Философия», 1900; «Медицина», 1901; «Юриспруденция», 1903). К сожалению, в годы Второй мировой войны все три панно были уничтожены. В этих произведениях ярко проявились черты модерна: ассиметричное композиционное построение, причудливые, напоминающие сложный орнамент переплетения обнаженных человеческих тел. Явная эротичность этих работ Климта, а также пессимистический дух, пронизывающий их, стали причиной отказа от панно профессуры университета.
Зрелым художником со сложившейся манерой письма Климт предстает в «Бетховенском фризе» (1902) , вошедшем в монументальный ансамбль здания «Сецессиона». В этом произведении выразилась попытка мастера с помощью живописно-аллегорических образов интерпретировать Девятую симфонию Бетховена. Ритм вытянутых фигур «Бетховенского фриза» напоминает изменяющийся темп музыкального произведения. Одежду людей, изображенных в росписях, а также фон покрывают причудливые орнаментальные линии и сверкающие золотом и серебром краски. В таком же стиле выполнена и мозаика обеденного зала во дворце Стокле в Брюсселе, созданная Климтом в 1911 г.
Картинам, написанным Климтом в 1900-х гг., свойственно сочетание объемной моделировки фигур людей с плоскостной орнаментальностью. Художник покрывает части обнаженного человеческого тела яркой мозаикой и золотыми узорами. Лица и тела как будто проступают сквозь спирали, геометрические фигуры, причудливые цветы и стебли экзотических растений. В такой манере исполнены картины «Юдифь» (1901), «Поцелуй» (1907-1908), «Три возраста» (1908), «Саломея» (1909) .
Г. Климт. Юдифь. 1901 г.
Г. Климт. Три возраста. 1908 г.
В 1910-х гг. живопись Климта несколько меняется: исчезает обилие золота, в образах появляется экспрессия. Таковы символические композиции «Девушка» (1913), «Невеста» (1917-1918).
В стиле модерн исполнены и пейзажи Климта («Поле маков», 1907; «Дворец у воды», 1908; «Аллея в парке», 1912) .
Умер Густав Климт в 1918 г. в Вене.
В стиле модерн работал также немецкий художник М. Клингер.
Макс Клингер
Немецкий живописец, график, скульптор Макс Клингер родился в Лейпциге в 1857 г. Учился в лейпцигской Школе искусств у известного мастера Ф. Брауэра. В 1874-1875 гг. он продолжил обучение в Карлсруэ в Академии художеств у К. Гуссова, а в 1876 г. начал посещать берлинскую Академию. Жил и работал в Лейпциге в Берлине. В 1879 г. посетил Карлсбад, Мюнхен, Брюссель, где занимался в мастерской Э. Х. Ваутерса.
С 1881 г. художник жил в Берлине, а с 1883 г. - в окрестностях немецкой столицы на вилле «Альберс». В 1867 г. Клингер вместе с А. Бёклином посетил Париж, а в 1886-1889 гг. - Италию. В 1892 г. он стал одним из основателей «Общества берлинских художников», а позднее вошел в мюнхенский «Сецессион». С 1897 г. Клингер - профессор графики лейпцигской Академии художеств.
Ранние работы художника отмечены влиянием академической живописи. В эти годы (конец 1870-х) он пишет картины на античные и исторические сюжеты («Падение у стены», 1878; «Смерть Цезаря», 1879).
В 1880-е гг. Клингер начал создавать произведения с символическим содержанием. С этого времени в его живописи преобладают аллегорические или фантастические образы («Морской бог в волне прибоя», 1884-1885). Его картины напоминают полотна Г. фон Маре, А. Бёклина, А. Фейербаха. О близости с искусством Фейербаха говорит, например, такая картина Клингера, как «Миссия», вытолненная в 1880 г. Художник натуралистично и несколько театрально изобразил на своем полотне сидящую у моря обнаженную женщину, рядом с которой стоят ворон и цапля.
В форме удлиненного панно (что очень характерно для живописи символистов) выполнены пейзажи Клингера «Вечер» (1882), «Горное ущелье» (1884), «Летний пейзаж» (1884-1885).
Живописца всегда интересовала тема скоротечности земной жизни и неотвратимости смерти. Подобные мотивы нередко увлекали не только современных ему художников, но и мастеров прошлых эпох. В духе искусства Возрождения написаны картины «Надгробный плач» (1890), «Распятие» (1890). Легенда о золотом веке - времени, когда все люди были счастливы и жили в гармонии с природой, - нашла свое отражение в таких работах Клингера, как «Голубой час» (1890), «Источник» (1891-1892), триптих «Воспоминание о Париже» (1908). Эти полотна показывают зрителю фигуры прекрасных юношей и девушек, олицетворяющих давно ушедшие времена. Нижнюю часть триптиха «Воспоминание о Париже» художник украсил скульптурным орнаментом, выразив таким образом свойственную эстетике символизма идею объединения раз-личный видов искусств.
Большой интерес представляет еще один триптих Клингера - «Христос на Олимпе» (1897). Художник помешает героев христианской истории в античную эпоху, ставя во главу угла Божественное начало. Это произведение свидетельствует об изменении живописных приемов автора: теперь главную роль в создании картины играет контур и цветовые пятна, с помощью которых Клингер моделирует объемы.
Искания в области новых художественных средств отразились и в скульптурных работах Клингера, в которых мастер сочетает разные породы мрамора с золотом, слоновой костью; покрывает скульптуры краской («Саломея», 1893; «Бетховен», 1902).
Значительное место в творчестве Клингера занимают графические работы: афиши для выставок «Сецессиона» и прекрасные гравюры (серия «Перчатка», 1881).
Умер художник в 1920 г. Его творчество сыграло большую роль в развитии искусства модерна.
Как уже говорилось выше, модерн быт тесно связан с символизмом. Многие художники, работавшие в стиле модерн, на разных этапах своего творчества увлекались идеями символизма.