Средневековое искусство Европы как воплощение религиозного христианского менталитета. Эстетика тождеств: каноничность, антиноватизм, анонимность, повторение традиционных сюжетов и образов. Эстетические доминанты раннего, зрелого и позднего средневековья. Стили средневековой архитектуры: романский стиль, готический стиль.

Средневековая живопись (книжная миниатюра, монументальная живопись, витражное искусство). Средневековая Литература: и ее особенности. Основные литературные традиции: латинская Литература:, эпос, куртуазная Литература:, городская Литература:. Церковный лад и средневековые музыкальные жанры.

Живопись. Сюжетами для живописных и скульптурных изображений были темы величия и могущества Бога. Стилевая особенность этих изображений состояла в том, что фигура Христа значительно превосходила по размерам другие фигуры. Вообще реальные пропорции были не важны романским художникам: в изображениях головы зачастую увеличены, тела схематичны, иногда вытянуты. В Германии вXIв. все больше места в изоб. ис-ве начинает занимать тема распятия, смерти и воскресения Христа. В дальнейшем этот мотив станет в католицизме доминирующим и даже вытеснит образ Христа как Вседержителя.Монументальная раннесредневековая живопись. В ней наряду с раннехристианскими традициями наблюдаются черты порывистости и экспрессии. Дошедшие до нашего времени памятникиIXв. церковной росписи Франции позволяют различать школы «светлых» и «синих» фонов. Первая, распространенная на западе и в центре Франции, характеризуется светлым фоном, резкими контурами и плоской трактовкой форм (фрески «Битва архангела Михаила с драконом» в церкви Сен Савэн в Пуату). Для второй (юг и восток страны) показательны синие фоны, богатый колорит и явственное воздействие византийского искусства. «Школа синих фонов» особенно хорошо представлена комплексом росписей Берзе-ла-Вилль, созданных в началеXIIв. Таким образом, в искусствеXIVв., хотя оно по0прежнему контролировалось церковью, усилились светские и реалистические черты.Витражи. В эпоху расцвета романского стиля существовали две техники витражной росписи:гризайль (черная и серая краска по бесцветному стеклу зеленоватого дымчатого тона) ипо наборному цветному стеклу (стекло варили в спец. печах, затем резали в соответствии с подготовленным рисунком и набирали на спец. шаблонах, после чего покрывали по цветному фону росписью). Однако большего расцвета витражи достигли во времена готики. Основной целью этих «картин в окнах» было показывать людям, не умеющим читать Священное Писание, во что они должны верить. По разнообразию сюжетной тематики витражи гот. собора успешно соперничали со скульптурой. Помимо композиций на библейские и евангельские сюжеты, отдельных фигур Христа, Марии, апостолов на них также помещались эпизоды из легенд о жизни святых, изображения исторических событий. Никогда ранее цвет и свет не играли такой символической роли. Считалось, что естественным цветом готики яв-ся фиолетовый – цвет молитвы и мистического устремления души, как соединение красного цвета крови и синего неба. Синий цвет считался также символом верности. Поэтому в витражах преобладали красны, синие и фиолетовые краски. Наряду с ними особой любовью пользовались оранжевый, белый, желтый, зеленый цвета. Лучшие гот. витражи нах-ся в соборах Шартра («Богоматерь с младенцем»), Парижа (Сен-Шапель).

Литература. Всю литературу Средневековья можно разделить на героический эпос, рыцарскую куртуазную поэзию, рыцарский куртуазный роман и поэзию и прозу городского сословия.Героический эпос представлял собой сказания, воспевающие подвиги героев, важнейшие реальные события, сказания, в основу которых легли народные легенды. Ранними произведениями такого рода были «песни о подвигах». Исполнителями этих песен-поэм были жонглеры, странствующие певцы и музыканты. Во Франции величайшим памятником той эпохи яв-ся «Песнь о Роланде» (идеальном рыцаре, патриоте и правдолюбце, защитнике христиан от неверных). Бретонские (Бретань – обл. во Фр.) и кельтские сказания повествуют о короле бриттов Артуре и рыцарях Круглого стола, а также о поисках святого Грааля, чаши, в которую, по преданию, была собрана кровь Спасителя при положении его тела во гроб. Самая знаменитая поэма этого цикла воспевает подвиги рыцаря Парцифаля. В Германии – эпопея «Песнь о Нибелунгах» о гибели бургундского королевства и смерти короля гуннов Аттилы. В стране нибелунгов появляется герой Зигфрид и влюбляется в сестру короля Гунтера. Король просит помощи у З., чтобы выполнить богатырские подвиги и женится на исландской королеве. В дальнейшем обман раскрывается.Рыцарская куртуазная (придворная) поэзия. Куртуазная поэзия началась с культа «дамы сердца». Рыцари-поэты воспевали красоту и благородство Прекрасной Дамы, которая была, как правило, супругой сюзерена. Куртуазная любовь – тайная, поэт избегал называть свою даму по имени тонкая, изысканная. Она должна выглядеть трепетным обожанием. Воспевали ее трубадуры (Юж. Фр.), труверы (Сев. Фр.), миннезингеры (Герм.) и менестрели (Анг.). В Провансе (а именно там появились первые любовные рыцарские стихи) существовало множество форм куртуазной поэзии.Кансона («песня» в повест. форме излагала любовную тему.Альба («утренняя заря») посвящалась земной, разделенной любви. Влюбленные расстаются на заре, о приближении которой их предупреждает слуга или друг, стоящий на страже.Баллада – плясовая песня.Пасторела – песня о встрече рыцаря и пастушки.Плач – песня, где поэт тоскует или оплакивает свою долю, скорбит о смерти близкого человека.Тенсона – стих. спор, в кот. принимают участие либо два поэта, либо поэт и П. Д., поэ и Любовь.Сирвентес – песня, в кот. поднимаются уже соц. вопросы: кто достоин любви – учтивый простолюдин или бесславный барон? рыцарский куртуазный роман. Авторы – ученые люди. Первые романы появились во Фр. и представляли собой сплав кельтских эпич. преданий с позднеантичными произведениями Гомера, Овидия, Вергилия, увлекательных рассказов крестоносцев о неведомых странах. Один из создателей Кретьен де Труи «Ивейн, или Рыцарь со львом». Действия героев Кретьена де Труа направлена на совершение подвига, при этом не любовь толкает рыцаря на приключения, а стасть к этим подвигам. Более сложные приемы раскрытия чел. хар-ра использовались Кретьеном де Труа в «Повести о Граале», где подвиг «повышенной трудности» обрекает героя на аскетизм.

Совершенно иная тональность у другого Ср. романа – «Тристана и Изольды», в основе кот. ирландские сказания о несчастной любви двух молодых сердец. В сюжете отсутствует рыцарская авантюра и на первый план выдвинут неразрешимый конфликт между индивидуальными побуждениями героев и общепринятыми нормами. Пагубная страсть юноши Тристана и королевы Изольды толкает их на попрание вассального и супружеского долга, на цепь притворств и обманов. Герои гибнут не под ударами сильных противников, они становятся жертвами судьбы, рока. Поэзия и проза гор. сословия. Популярный жанр – фаблио (во Фр.), шванк (Герм.). Герои – горожане и крестьяне с их сметливостью и с здравым смыслом, кот. борются с житейскими невзгодами, сохраняя при этом оптимизм. Все ситуации носят комический либо авантюрный хар-р, но не выходят за пределы реалистического бытового изображения. Наиболее известным эпич. циклом яв-ся фр. «Роман о лисе», где в иносказательной форме изображается жизнь срвек. Европы. Основная тема – успешная борьба лиса Ренара, олиц. находчивость, ловкость и лукавство, с тупым, кровожадным волком. Особое явление – поэзия бродячих школяров – вагантов. Они делали резкие выпады против князей церкви, что делало вагантов воинствующими еретиками. Излюбленные темы их песен – пирушки, легкий флирт, иронические сетования на свою тяжкую долю («Во французской стороне…»). Народная смеховая к-ра преобразилась в сатиру и породила новый жанр – фарс (грубый комизм с присущим ему издевательством).

Музыка. Муз. к-ра раннего Средневековья представлена в основном придворными и народными песнями и танцами, игрой на муз. инструментах и религиозной музыкой. Все слои общества были увлечены музыкой, песней, танцами.Церковное песнопение. Уже в концеVIв. основой для муз. католического богослужения стало – одноголосое церковное песнопение, исполнявшееся мужским хором в унисон или солистами на латинском языке. Это т.н. григорианский хорал (по имени папы Рим. ГригорияI, кот. по легенде утвердил этот певческий жанр). Единообразное христианское пение постепенно вводилось во всех странах З.Е. КIX-Xвв.- первые записи полифонических произведений. Двухголосые пьесы органумы создали мастера фр. м-ря Сен-Марсель, которое они позаимствовали у певцов-импровизаторов. Распр. муз. жанром, начиная сXIIIв., стал мотет. Для того чтобы написать мотет, комп. брал известный напев и добавлял к нему один, два или три голоса. По такому же принципу сочинялась и музыка для церк. ритуала. На этой полифон. основе и на песнях трубадуров и труверов складывалось и творчество комп. позд. Средневековья. Песни разл. жанров и форм: рондо, баллады, мадригалы. Этот период в истории музыки получил названиеАрс нова (лат. новое ис-во), т.к. изысканная светская поэзия отныне была положена на музыку нового склада, пронизанную особой живостью, богатством звуковых красок. Выдающимся мастером ит. Арс нова был Франческо Ландино. Ранняя слепота не помешала ему стать органистом-виртуозом, автором множества лирических песен. Фр. Арс нова возглавил комп. и поэт Гильом де Машо, кот. современники прозвали «земным богом гармонии». Баллада в его творчестве стала образцом утонченной лирики. Ее исполнял один певец с многоголосным инструментальным сопровождением. Творчество и того и другого открыло след. этап – муз. эпохи Возрождения

Посвящается всем девочкам,
девушкам, женщинам и бабушкам!

Художники 15 века стали покрывать свои полотна плотным ковром растений, имитируя гобелены. Перед собой вы видите бургундский гобелен с изображением плененного единорога.

Традиция изображать различные растения, наделяя их символическим значением, появилась еще в античности. Так, листья аканта считались символом смерти.

На гобеленах растения изображены с удивительно "ботанической" точностью, но, похоже, пока служат только украшением.

В сцене охоты на единорога в нижнем правом углу изображено апельсиновое дерево . Это было экзотическое растение, оно считалось символом райских кущ.

Путешествия в дальние страны позволили европейцам знакомиться с новыми растениями - финиковыми пальмами , например.

Нередко разные виды растений украшали маргиналии манускриптов.

Очень популярной была легенда о магических свойствах корня мандрагоры .

Пальмы представлялись как-то так.

Шишка пинии (сосны) была символом древа жизни.

Сразу несколько цветов считались символами Богородицы.

Символическое значение некоторые растения имели для разных религий. На картинке - лист из старинной иудейской книги с изображением меноры и оливковых деревьев , символа мира. (Испания, 12 век)

В буквице средневекового манускрипта мы видим Смерть, любующуюся собой в зеркале, а вокруг - барвинки , символ молодости и красоты. Ирония, видимо, такая.

Античные мифы были популярны в эпоху Возрождения. На картине Козимо Тура (1465) - муза Каллиопа, покровительница поэзии. В ее руке ветвь черешни - символ плодовитости, здесь - творческой, видимо.

Рафаэль Санти "Сон рыцаря" (1504).
Ясное дело, что скрытый символизм буквально просился на полотна-аллегории. На этой картине "зашифрован" сложный выбор между мудростью и телесными удовольствиями. Слева - богиня Минерва, протягивающая спящему рыцарю книгу, символ знаний, справа - Венера, предлагающая цветы яблони - символ чувственных наслеждений.

Много символизма и в ветхозаветных сюжетах. На картине Альбрехта Альтдорфера (1526) "Сусанна и Старцы" героиня идет на суд (справа), неся в руках лилию - символ невинности. Если помните, похотливые старцы домогались ее, подглядев, как она купается, а когда благочестивая женщина отказала им, ложно обвинили ее в прелюбодеянии. Мудрый царь Давид совершил праведный суд, выведя развратников на чистую воду. Видите, Сусанна идет мимо высокого стебля коровяка , называемого еще "царский скипетр" - символ власти и правосудия.

Еще один прерасный южнофламандский гобелен "Убийство единорога". Теперь уже с символами.

В левом нижнем углу виден куст лещины - это символ богатства и изобилия. Белка - символ трудолюбия.

И, конечно, очень много тайных символов в религиозной живописи 15-16 веков. Травянистый покров у ног святых, особено на картинах Сверного возрождения, - настоящий ботанический справочник. Похоже, знание бтаники было обязательным навыком художников того времени. Интересно, что практически каждое растение имело свой смысл.

Я когда-то вам очень подробно рассказывала про Гентский алтарь Яна ван Эйка. Напомню, здесь очень много символов, растительных в том числе.

Например, Ева держит в руке плод Древа познания, но здесь это не яблоко, а "адамово яблоко" или не съедобный иберийский цитрон .

Яблоко, как и лимон - символ первородного греха.

На этом чудесном полотне Маттиаса Грюневальда "Штуппахская Мадонна" (1517) мы видим в вазе символы Марии - белая лилия - невинность и чистота, роза - материнская скорбь и раны Христовы, ноготки (или бархотцы) - "золото Марии", дар утешения Богородицы неимущим и убогим. Мария подает малышу грецкий орех - символ Христа (невзрачная скорлупа - человеческое тело, вкусное ядро - божественная сущность).

На все том же Гентском алтаре тоже можно видеть цветы Богородицы: роза - скорби, лилия - чистота, аквилегия и ландыш - слезы.

Ландыш можно видеть и у ног святой Вероники с картины Робера Камрпена. И еще одуванчик : милый цветочек - младенец Христос, пикообразные листья - копье Лонгина, страсти Христовы.

Жак Даре, "Мадонна с младенцем и святыми в Запретном саду" (1425). У ног Марии - морозник , символ Христа и вечной жизни. Слева в углу - ирис , символ материнского горя и мук.

Ангелы преподносят Мадонне с младенцем жасмин . Козимо Россини (1440-1507)
Жасмин - символ чистоты.

"Рождество" Хуго ван дер Гуса - прародитель натюрмортов. Фрагмент:

На переднем плане картины мы видим уже знакомые нам лилии, ирисы (белый символизирует чистоту, синий - материнскую скорбь), аквилегии . А еще гвоздику - кровь Христа и материнскую любовь, и фиалки - символ смирения. Колоски пшеницы - хлеб, плоть Господня.

Венецианская копия картины Леонардо да Винчи "Леда и лебедь". В античном мифологическом сюжете цветы имеют совсем другое значение: анемона - ветреность, аквилегия - символ плодородия, барвинок в руках Леды - природная сила, страсть, молодость, лютик едкий ("куриная слепота") - беспечность. Дуб над головой Леды - символ Зевса.Такую тщательную детализацию, обычно ительянцам не свойственную, художники нередко "заимствовали" у северных живописцев.

Мария подает младенцу гвоздику - символ родительской любви. (Леонардо да Винчи "Мадонна с гвоздикой").

Герард Давид "Рождество с донаторами, святыми Иеронимом и Леонардом" (1510-15).

Здесь символичен одуванчик , его значение вы уже знаете:

Джероламо ди Лабри "Мадонна с младенцем и святыми" (1520). Лавровое дерево - слава, бессмертие. Павлин - символ вечной жизни (его плоть почему-то считалась нетленной)

Мартин Шонгауер "Мадонна в розовых зарослях".
Вообще-то, роза - символ страданий и жертвы Христа и Марии, "божьи раны". Интересно, что здесь изображены не розы, а древовидные пеоны . Считалось, что розы в раю не имеют шипов, так что пеон вполне подходил на эту роль.

А это наброски Шонгауэра (1495). Пеон же!


Стефан Лохнер. Еще одни розовые заросли. У ног Богоматери фиалки , символ смирения.

Йос ван Клеве (1513-15). Нередко мадонну с младенцем изображали с фруктами. В руках Христос держит апельсин (плод райского дерева) или персик - противопоставление яблоку, плоду-символу первородного греха; персик - символ Троицы. Гранат на подносе - символ Вселенской церкви, виноград - вино - кровь Христова, орех - вы уже знаете, вишня - кровь Иисуса, груша - сладость добродетели.

Филиппо Липпи (кон 15 века). Тоже гранат .

Джованни Беллини (1480), здесь у нас груша .

Йос ван Клеве (1525). В руке явно персик . Лимон лежит демонстративно в стороне - это символ земных страстей: красивый снаружи, невозможно кислый внутри. Он явно противопоставляется грецкому ореху, символу Христа.

Карло Кривелли (1480). Младенец держит в руке щегла , символ страстей Христовых. Слева сидит муха - недремлющий дьявол, символ смерти, распада. Иногда яблоко трактовалось как символ искупления, а огурец - чистота и воскрешение.

Лукас Кранах. Виноград - евхаристический символ Христа, кровь Христова.

Мартин Шонгауэр "Святое семейство". Виноград , а в корзине - ежевика , символ чистоты Девы Марии.

Изенгеймский алтарь Маттиаса Грюневальда, 1510-15

Святые в створках стоят на постаментах, увитых плющом - символом воскрешения, вечной жизни, преданности.
Теперь у нас святые пошли.

Адриан Изенбрандт "Мария Магдалина с пейзажем". Позади святой - подснежник , символ надежды и очищения.

Лукас Кранах. "Святая Доротея". Когда святую вели на казнь, охранник, издеваясь, предложил ей совершить чудо - раздобыть розы среди зимы. Тут же к святой подошел мальчик с корзиной роз. Теперь это символ святой Доротеи.

Антонио Корреджо "Святая Катерина". Ветвь пальмы - символ мученичества.

Альбрехт Дюрер "Максимильян Первый". Гранат - вы уже знаете.
Всякие светские люди пошли.

Ханс Зюсс ван Кульбах. Девушка плетет венок из незабудок - символ преданности любимому. Это подтверждает и надпись на ленте.

"Молодой Рыцарь на фоне пейзажа" (герцог Урбино?). Витторе Карпаччо. По всей видимости портрет посмертный. На цаплю в небе нападае ястреб возле воды он ее уже доедает. Собака - верность, лилия - чистота, ирис - скорбь, горностай - символ ордена, к которому принадлежал рыцарь.

Портрет леди. В корзиночке цветы, которые говорят о том, что это - скорей всего невеста: фиалка - смирение, жасмин - чистота, гвоздика - любовь.

Андреа Соларио "Портрет мужчины с гвоздикой". Такие парадные "жениховские" портреты были очень популярны. Они показывали, что герой влюблен и собирается жениться. Либо молодой муж преподносил такой портрет супруге в знак любви.

Еще много:

Неизв. 1480.

1490

Лукас Кранах. Портрет доктора Иоганна Куспиниана и его невесты (уже жены?) Анны Куспиниан.

Ганс Гольбейн. Портрет Георга Гиссе.

Ганс Мемлинг

Дирк Яакобс. Портрет Помпеуса Окко (1534)

Михаэль Вольгемут "Портрет Урсулы Тюхер" (1478)

Мастерская Яна ван Эйка

Пизанелло, Портрет графини Гиневеры дЭсте (1447)
А это портрет девушки, которая к моменту его создания была уже мертва. Она умерла в 21 год, в его смерти обвинили мужа (вторая его жена тоже странно умерла). На картине - цветы-символы: аквилегия - слезы, гвоздика - любовь (возможно, родительская, мы не знаем кто заказал картину), бабочки и веточка хвои - бессмертие в памяти близких.

Доменико Герландайо "Портрет дамы". Видимо, она невеста, еще один символ чистоты - цветок апельсина

Альбрехт Дюрер, автопортрет в 22 года.
Портрет предназначался юной жене, остролист в руках - символ супружеской верности. Картина вдохновила меня на создание этого поста.

Нейзв. Дама из семьи Хофер. Незабудка - верность, преданность. Возможно, супруг дамы умер - об этом может говорит муха на головном уборе, здесь - символ смерти, бренности бытия.

Леди Филиппа Кингсби. Вишня - плодородие, изобилие

Портрет леди (1576). Здесь лютик в руках - богатство, первоцвет - замужество.Свезло, видать, тетке!

Мирабелло Кавалори "Мальчик с гиацинтом и персиком". Гиацинт символизировал смелость, ловкость, игривость. Иногда - мудрость, но здесь - вряд ли. А еще гиацинты хорошо пахнут - мне сегодня подарили.

И напоследок портрет Николая Коперника работы Тобиаса Стимера. Ландыш - символ горечи и слез. Этого добра у ученого, как известно, было навалом!

А вам желаю не испытывать горечи, а слезы лить только от радости!

К первой половине 12 века, видимо, следует отнести появление сочинения Теофила "De Diversis Artibus" , подробно описавшего большинство приемов и методов работы живописца, витражиста и мастера золотых и серебряных дел. Сочинение Теофила является драгоценным свидетельством состояния художественной практики 12 века, осознания художником собственной.

Личность Твофила, которого принято иногда идентифицировать с Рогиром Хельмарсхаузеном, представляет большой интерес (Theophilus De Diversis Artubus. Ed. bу Dodwell С. В. London, 1961. См.: Введение Додуэлла, с. XXIII-XLIV.). Образованный монах, совместивший художественную практику со знанием свободных искусств, - не редкое в романскую эпоху явление. Замечательна широта практических знаний Теофила при его знакомстве с новейшими тенденциями богословско-философской мысли, которые он применяет к своему искусству. Мастерство художника, естественно, воспринимается Теофилом как дар божий. Если одаренность - ingenium - мыслью раннего средневековья часто связывалась с божественным вдохновением и расценивалась как непосредственная зависимость творчества художника от бога, то в 12 веке божественное участие в работе художника понимается косвенно, по аналогии человеческого творчества с божественным. В предисловии к своему сочинению Теофил пишет, что человек, "созданный по образу и подобию божиему, одушевленный божественным дыханием, наделенный разумом, заслужил участие в мудрости и таланте божественного ума" .

Но хотя человек из-за своеволия и непослушания потерял привилегию бессмертия, "он, однако, передал последующим поколениям почтение наукам и знаниям, так что прилагающий старание, ко всем искусствам талант и способности может приобрести как бы по наследственному праву" . Все семь благ, излитые святым духом на человека, - мудрость, разумение, восприимчивость к советам, душевная крепость, знание, благочестие, богобоязнь - он относит к художнику.

• Художник-монах, расписывающий статую. Миниатюра из рукописи Апокалипсиса. Последняя четверть 13 в.
• Художник, расписывающий статую. Миниатюра из рукописи "Декреталии Григория 9-го". Середина 14 в. Живописец за работой. Лист из книги образцов начала 13 в.

Вопрос о соотношении святых даров с человеческими добродетелями был предметом дискуссии в первой половине 12 века в сочинениях Ансельма Кентерберийского, Ива Шартрского, Гонория Отенского, Руперта Двитцкого, Абеляра, Бернара Нлервосского и других философов и богословов 12 столетия. Художник понимается как наследник божественной мудрости. Посредством постоянного труда, совершенствования знаний и мастерства художник способен приблизиться к той высшей мудрости и мастерству, которыми человек обладал до грехопадения. Подлинная страсть к своему искусству заслоняет от Теофила все остальные пути познания бога. Он видит прямую связь работы художника с семью дарами святого духа, а проблему святых даров понимает практически. "Посему, дрожайший сын, - пишет автор, обращаясь к будущему читателю-ученику, - когда ты украсил дом господень таким благообразием и таким разнообразием произведений, не сомневайся, но полный веры, знай, что это дух господень напоил твое сердце" .

Легенда о художнике. Миниатюра рукописи "Песни Альфонса 10-го". Вторая половина 13 в.

Сочинение Теофила показывают, насколько сам художник высоко ценил собственное мастерство, считая его непосредственным проявлением божественной благодати. Философы, подобно Гуго Сен-Викторскому, могли классифицировать знания и устанавливать их иерархический порядок. Но для художника искусство представлялось единственным возможным путем к познанию бога и оценивалось чрезвычайно высоко.

Теофил отводит искусству важную роль в осуществлении человеком своего основного назначения - восхваления бога и стремления к его познанию. Художник, как пишет Теофил, своей работой по украшению храма представил молящимся "Рай господень, цветущий различными цветами, зеленеющий листвою, и души святых коронующий венцами различных заслуг", и дал им возможность "восхвалять Создателя в его творении, воспевать удивительность им созданного" .

Труд Теофила показывает, насколько высоко ценилась в 12 веке деятельность художника. Он неоднократно повторяет, что написал свое сочинение для восхваления бога, а не ради земной гордыни и тщеславия. Его сочинение дает нам возможность приблизиться к пониманию той духовной атмосферы, которой жил художник первой половины 12 века. Глубокое смирение по отношению к создателю всего сущего, переплетаясь с отчетливым представлением о важности и ценности творческого труда, характеризует отношение художника того времени к миру, в стройном порядке которого он ощущает себя необходимым звеном и занимает принадлежащее ему по праву место.

Книга Теофила раскрывает перед нами тот строй мыслей и чувств, которыми жил художник накануне появления готики. Знаменательно, что волнующие Теофила идеи об украшении храма как деле, угодном богу, восхваляющем создателя и позволяющем верующим вознестись к нему душой, будут на ином философском уровне разработаны Сугерием - вдохновителем готического стиля и строителем первого готического храма в 40-х годах 12 века - базилики королевского аббатства Сен-Дени под Парижем.

• Лист из эльзасской рукописи. Последняя четверть 12 в.
• Лист из французской рукописи начала 10 в.
• Лист из рукописи Адемара Шабаннского. Ок. 1025 г.

Следующим сохранившимся сочинением по технике изобразительного искусства является знаменитый альбом французского архитектора Виллара де Оннекура, относящийся к 30-м годам 13 века и хранящийся в Парижской Национальной библиотеке. Альбом представляет собой неоценимый источник для изучения готического мастерства. Это чрезвычайно любопытный сборник образцов для художника и скульптора, зарисовок с натуры, изображений механизмов, рисунков архитектурных деталей, планов и схематическое изображение "секретов" готического искусства.

Хотя книга Теофила и альбом Виллара де Оннекура совершенно различны по традиции, характеру и уровню образованности авторов, возникает непреодолимый соблазн сравнить сочинения между собой. Поскольку рукописи созданы художниками-профессионалами, практиками изобразительного искусства, эта параллель не будет слишком искусственной. Многое роднит их друг с другом, каждый достаточно типичен для своего времени. Книга Теофила - труд образованного монаха 12 века, бывшего одновременно художником, мастером. Рукопись написана просто, ясно, хорошей латынью, а подробные рассуждения Теофила о назначении и цели искусств обнаруживают знакомство с основными направлениями философской мысли эпохи. Цель искусства, как цель своего сочинения, монах видит в служении и восхвалении бога. В начале каждого из разделов книги автор обращается к ученикам с длинной речью, где раскрывает богоугодность работы художника, призывает к служению, терпению и сознанию того, что дарованные им знания и способности исходят от милосердия божия. Альбом Виллара в противоположность труду Теофила не сочинение, но альбом рабочих зарисовок, записная книжка готического архитектора-профессионала, не принадлежащего к монашеской среде, сопровождаемая краткими пояснениями на старофранцузском языке.

Длинное и обстоятельное, со вкусом написанное вступление Теофила к первой книге заканчивается обращением к ученикам: "Если будешь сие часто перечитывать и крепко держать в памяти, то вознаградишь меня, ибо сколько раз ты извлечешь пользу для себя из труда моего, столько раз будешь молиться за меня милосердному всемогущему богу, который знает, что я написал свой труд не из любви к человеческой похвале, не по жадности к награде на этом свете, что преходяще, и не скрыл что-либо ценное или редкое из зависти, не сохранил ничего для себя лично, но помог нуждам многих и содействовал советами для приумножения чести и славы божьего имени" .

Альбом Виллара де Оннекура: листы 14, 27; лист 15 - план идеального хора готической церкви (план собора в Мо); лист 17 - план хора церкви в Воссель и фигура.

Вступление Виллара более напоминает сжатую и краткую стенограмму заключительной мысли Теофила в его вступлении, преподнесенной к тому же последним в изящной литературной форме: "Виллар де Оннекур приветствует вас и просит всех, кто будет работать с помощью средств, которые указаны в этой книге, помолиться за его душу и вспомнить о нем. Ибо в данной книге можно найти прекрасные советы по великому мастерству каменного строительства и по плотничьему делу. Вы найдете здесь искусство рисования, равно как основы, которых требует и которым учит наука геометрии" . Краткий, деловой тон, ничего лишнего, речь идет лишь о самом главном, несколькими емкими фразами обрисовывается содержание и назначение всей книги, традиционное обращение к ученикам предельно кратко и ограничено приветствием с просьбой помолиться за автора альбома в благодарность за его труд. Какой контраст с положительным поучающим тоном Теофила, постоянным подчеркиванием связи искусства с богом, подробными мелочными описаниями рецептов. Быть может, будет натяжкой видеть в данном различии не только следствие разницы двух отдельных видов технического руководства средневековья - трактата и альбома образцов - не только результат того, что авторы принадлежали к различным слоям средневекового общества, но, тем не менее, представляется, что этот контраст обязан и тому столетию, которое пролегло между созданием двух разбираемых сочинений.

Как Теофил в своем труде выразил мироощущение романского художника и его представление о своем месте в жизни и назначении своего искусства, так и Виллар де Оннекур в своем альбоме отразил черты, типичные для готического архитектора с его представлениями о мире. Во-первых, профессионализм, знание художественной практики, включая архитектуру, скульптуру и инженерное дело, что было обычным и традиционным явлением в средние века. Притом текст Виллара ничего не говорит о его знакомстве с тенденциями богословской или философской мысли. Затем - демократизм, понятность схем, рисунков и образцов, сопроводительный текст не на латыни, а по-старофранцузски.

Следующая черта - чрезвычайное любопытство ко всему невиданному, забавному, редкому, интересному, заставляющее его зарисовывать льва наравне с другими редкими животными. Затем - наблюдательность, поглощенность зрительными впечатлениями, быть может, заменяющими солидное образование; знакомство с разными странами, путешествия, которые совершал Виллар, опытность, глубокое знание практики своего искусства. Не менее характерной чертой является субъективизм суждений об искусстве, выбор для зарисовок архитектурных деталей, сцен и фигур в соответствии с личным вкусом Виллара, о чем мастер несколько раз не преминул заявить. Последнее представляет собой особенный интерес, выражая растущее самосознание готического художника.

Альбом Виллара, будучи альбомом образцов и техническим руководством для других мастеров, оставался личной записной книжкой, путевым альбомом, где зарисовывалось все, что показалось интересным. "Вот план хора церкви нашей пресвятой девы Марии в Камбре" . "Я нарисовал эти окна, потому что они мне понравились больше других" . Наконец, характерно его традиционное, несколько формальное благочестие, выраженное скороговоркой в одной фразе и резко отличающееся от обстоятельной, подробно обоснованной благочестивости Теофила.

Представление о покровительстве художнику богом, о божьей помощи человеку, которого "в его деятельности божественная десница направляет", действительно приобретает со временем несколько формальный оттенок, хотя сохраняет прежнее значение в заальпийских странах несравненно дольше, чем в Италии. Оно продолжает давать себя знать в трактатах позднеготических мастеров, увлеченно обсуждающих технические и художественные стороны своего мастерства, вплоть до 16 столетия. Им отмечены трактаты Альберта Дюрера и Никласа Хиллиарда.

Не менее существен быстрый, стремительный и динамический стиль кратких пояснений Виллара. В нем хочется видеть проявление духа той деловой атмосферы, которая складывалась вокруг строительства готического собора. Для характеристики средневекового художника чрезвычайно важно, что записная книжка и альбом путевых набросков Виллара стал впоследствии книгой образцов для целой мастерской. Видимо, уже после смерти Виллара альбом был дополнен рисунками и записями двух других мастеров, оставшихся анонимными. Их принято обозначать обычно как "Мастер 2" и "Мастер 3".

Хотя начавшийся процесс выделения индивидуального художника из цеховой среды медленно, но верно развивался в течение 13-14 веков, художник готики воспринимал себя и свое мастерство не иначе как в корпоративной связи, как ограниченным теми рамками и нормами, которые предъявлялась ему самой всеобъемлемостью готического искусства и которыми окружал его готический мир.

Так со страниц технических руководств по искусству, сборников рецептов, правил и альбомов образцов перед нами встают фигуры средневековых художников - их авторов, с их представлениями о себе самих и о целях своего труда, с их собственным ощущением мира и своего места в нем.

Тэг: Теория искусства (философия)

Период развития культуры и искусства Западной Европы со времени падения Западной Римской империи (V в.) до начала эпохи Возрождения (XV в.) впервые был назван «средним веком» итальянскими писателями-гуманистами. Они считали это время диким и варварским в противоположность античности и культуре их времени. Позднее ученые пересмотрели эту негативную оценку. Подробное изучение художественных памятников, документов, произведений литературы позволило сделать вывод, что средневековое искусство было важным и значительным этапом в развитии мировой культуры.

В истории западноевропейского искусства средних веков принято различать три периода - искусство раннего средневековья (V- IX вв.), романское искусство и готику. Последние два названия имеют условный характер. Романскими (от латинского слова «Рома» - «Рим») археологи XIX в. назвали постройки X-XII вв., в которых они нашли черты сходства с римской архитектурой, впоследствии так стали называть искусство эпохи в целом. Готическим первоначально именовали все средневековое искусство. Итальянские гуманисты считали его порождением готов, в начале V в. разграбивших Рим. Когда появился термин «романское искусство», под готикой стали понимать произведения архитектуры, скульптуры и живописи середины XII-XV вв., которые отличались от предшествующих ярко выраженным своеобразием.

Одо из Меца. Интерьер дворцовой капеллы в Ахене. Ок. 798-805.

Эпоха раннего средневековья - время формирования новой культуры, которая создавалась на территории Европы пришлыми племенами. Римляне называли их варварами. Разгромив некогда могучий Рим, варварские народы образовали на территории завоеванной империи свои королевства. Новые властители Европы не умели столь искусно, как римляне, строить каменные здания, крайне редко и весьма условно изображали в искусстве человека. Гораздо ближе был им мир фантастических животных и сложный узор орнаментов, которыми они украшали изделия из металла, дерева, кости, детали одежды, оружие, обрядовую утварь.

Первоначально завоеватели привлекали строителей и художников, живших на завоеванных ими землях, однако навыки высокого строительного мастерства постепенно утрачивались, орнамент грозил навсегда вытеснить античные традиции изображения человека.

По мере того как в Европе складывались феодальные отношения, усиливалась центральная власть, мысль о могуществе и величии Древнего Рима влекла к себе правителей новых государств, мечтавших о славе римских цезарей. Франкский король Карл Великий, создатель огромной державы, стремясь окружить свою власть величием и блеском, короновался в Риме и старался возродить при своем дворе традиции римской культуры. В резиденции Карла в Ахене был построен дворец и рядом с ним - дворцовая церковь - капелла. Она хорошо сохранилась. Образцом для нее послужила церковь Сан-Витале в Равенне, откуда были привезены установленные в капелле мраморные колонны. Но в целом создание франкского зодчего тяжелее и массивнее византийского храма.

Культовые постройки преобладали среди каменной архитектуры эпохи Каролингов (так называют династию франкских королей, виднейшим представителем которой был Карл Великий). Это было связано с той особой ролью.

какую играла в жизни средневекового общества церковь. Крупнейший феодальный собственник, она оправдывала своим учением существующий строй и, как главный заказчик художественных произведений, властно направляла в своих интересах развитие искусства. Под ее влиянием стали складываться строгие правила изображения священных сюжетов, обязательные для каждого художника.

Церковь в Паре-ле-Мониаль. Ок. 1100. Франция.

Каролингские церкви и дворцы украшались росписями и мозаиками, встречались в храмах и скульптурные изображения. Однако многие памятники погибли, и судить о творчестве каролингских художников мы можем лишь по дошедшим до нас резным пластинкам слоновой кости, ювелирным изделиям, драгоценным окладам рукописных книг и главным образом по иллюстрациям в этих книгах - миниатюрам. Книги в раннем средневековье были редкостью. Они создавались по заказам императоров, крупных феодалов, епископов и настоятелей монастырей в специальных мастерских - скрипториях. В каролингскую эпоху скриптории существовали при королевском дворе и при крупных церковных центрах. В отличие от своих предшественников, художники VIII-IX вв. внимательно изучали произведения римских и византийских мастеров и многому научились у них. Главным элементом оформления в книгах стали сюжетные миниатюры с изображением действующих лиц% пейзажей, архитектурного фона (см. Миниатюра).

В романскую эпоху ведущую роль в художественном творчестве играла архитектура. К XI в. обширное каменное строительство развернулось по всей Европе. При сооружении каменных зданий средневековые зодчие столкнулись с рядом технических трудностей, в частности при возведении перекрытий: деревянные балки и потолки часто горели, каменные же конструкции - арки, купола, своды - имели полукруглые очертания и, подобно натянутому луку, как бы стремились раздвинуть стены постройки в стороны. Стремясь избежать этого, романские зодчие делали очень толстые стены и массивные столбы и опоры.

В раздробленной, враждующей Европе X-XII вв. главными видами архитектурных сооружений были рыцарский замок, монастырский ансамбль и храм. В эпоху междоусобиц и войн каменные здания служили защитой от нападений. Поэтому романские постройки очень похожи на крепость: у них массивные стены, узкие окна, высокие башни.

Фигуры апостолов. Фрагмент скульптурного убранства фасада церкви св. Трофима в Арле. Ок. 1180-1200. Франция.

Романское искусство наиболее ярко раскрылось в архитектуре церковных зданий, их живописном и скульптурном украшении. Романскому храму присуща суровая, мужественная красота, его отличает внушительность и торжественная мощь. В Западной Европе церкви имели вытянутую среднюю часть. Внутри это помещение делилось рядами опор, столбов или чаще-аркад на более узкие продольные залы - нефы. С западной стороны, где находился вход, его обрамляли или увенчивали башни; в восточной части помещалось святилище храма - алтарь. Его отмечала специальная ниша - апсида. Алтарной части церкви предшествовал поперечный неф. Удаленность от входа ярко освещенного алтаря, путь к которому лежал через сумеречный неф, подчеркивала дистанцию, которая, как тогда верили, будто бы отделяет человека от бога.

Внутри романские церкви были расписаны фресками, снаружи украшались ярко раскрашенными рельефами на библейские темы. Венчающие части колонн - капители - украшались сюжетными скульптурными изображениями. Художники романской эпохи не утратили вкуса к орнаментальным украшениям, но в гораздо большей степени их влекли к себе изображения человека и его поступков. Мастера того времени чаще стали обращаться к наследию прошлого, знали работы византийских художников, были наблюдательны. Они умели подметить и передать выразительную позу, характерный жест, занимательно рассказать о событии. Чтобы сделать этот рассказ более экспрессивным, романские мастера нередко нарушали пропорции человеческого тела, увеличивали отдельные детали, утрировали движения.

Нередко живописцы и скульпторы давали волю своей фантазии и «населяли» стены храмов или страницы рукописей изображениями фантастических существ, фигурами акробатов, птиц и животных, образами, заимствованными из народных поверий.

Произведений светского искусства от романской эпохи сохранилось мало. И потому особый интерес представляет большой вышитый ковер, который украшал собор в Байё во Франции (XI в.). Представленные на нем сцены повествуют о завоевании Англии норманнами.

До XII в. главными культурными центрами были монастыри, где было больше всего образованных людей, обсуждались строительные проблемы, переписывались книги. В XII в. первенство стало переходить к новым хозяйственным и культурным центрам - городам. Здесь зародилась средневековая наука, высокого расцвета достигло ремесло и художественное творчество. Города боролись с феодалами за свою независимость. В среде горожан рождалось свободомыслие и критическое отношение к феодальному строю. Высокого расцвета в этот период достигла рыцарская поэзия, складывалась литература городского сословия. Крестовые походы изменили географические представления европейцев, расширили знания об окружающем мире. Он предстал огромным и динамичным.

Интерьер собора Нотр-Дам в Реймсе. XIII в. Франция.

В это время во Франции, где королевская власть вела борьбу за объединение страны, начало складываться искусство готики, которое затем распространилось в Англии, Германии, Испании, Чехии и других странах Европы.

Основным видом искусства в эпоху готики оставалась архитектура. Она наиболее ярко воплотила новые представления об окружающем мире. Стали приобретать самостоятельное значение и другие виды искусства, в первую очередь скульптура. Высшее создание готики - величественный городской собор. На родине готического искусства, во Франции, соборы возводили на одной из городских площадей. Строители, трудившиеся над созданием грандиозного здания, объединялись в особую организацию - ложу, в которую входили каменщики, плотники, скульпторы и стеклодувы, изготовлявшие цветные стекла для витражей. Возглавлял строительство главный мастер, опытный и искусный архитектор. Зодчие готических соборов были смелыми экспериментаторами. Они сумели разработать сложную конструкцию, которая позволяла выделить в здании строительный каркас из опор свода и дополнительных подпорных столбов - контрфорсов. Особые соединительные арки - аркбутаны передавали давление сводов центрального нефа, который был выше боковых, на контрфорсы, расположенные вдоль стен. Теперь не стена, а эта конструкция в целом держала своды, поэтому готические мастера смело прорезали в стенах окна, а между опорами сооружали легкие и высокие аркады. Для готики характерны стрельчатые, устремленные вверх арки. Они подчеркивали легкость и устремленность готической архитектуры ввысь. Во Франции мастера уделяли особое внимание оформлению западного фасада, который был богато украшен скульптурой. Скульптурные изображения помещали и на порталах по сторонам поперечного нефа. Внутри собора стройные столбы, окруженные тонкими полуколонками, стремительно поднимались вверх к стрельчатым сводам, аркады создавали величественную перспективу нефов.

В алтаре, боковых нефах и в верхнем ярусе центрального нефа многочисленные окна светились разноцветными витражами. В зависимости от погоды, времени дня или года свет, проникавший сквозь цветные стекла, по-разному окрашивал внутренние помещения храма, делал их то таинственными, то ликующе-праздничными.

Готическая скульптура по сравнению с романской больше похожа на круглую статую. Фигуры, хотя и приставлены к колонне или стене, стали объемнее, они смелее выступают в реальное пространство. Более разнообразными стали и темы изображений. Наряду с церковными сюжетами появились фигуры античных философов, королей, правдивые изображения представителей разных народов, иллюстрации назидательных басен. Изображения святых стали походить на современников, появились и первые попытки создания портретов светских лиц. Ранее такие изображения встречались лишь на надгробиях знатных феодалов и видных представителей церкви. Средневековые мастера не работали с натуры и создавали идеальные и представительные портретные образы. В эпоху готики художники уже пытаются придать модели реалистические черты. Скульпторы, создавшие около 1250 г. в немецком, городе Наумбурге двенадцать статуй феодалов, пожертвовавших средства на строительство храма, не могли видеть портретируемых, которые задолго до этого умерли. Тем не менее мастера наделили их индивидуальными чертами, выразительными лицами, характерными жестами.

Наряду с храмами в эпоху готики большое внимание уделялось строительству светских зданий - ратуш, торговых рядов, больниц и складов. В замках богато отстраивались парадные залы. В городах постепенно выделились две площади - соборная и рыночная. Охраняли город высокие стены с въездными воротами. Ратуша, здание городского магистрата, была символом городского самоуправления. В странах, где города переживали расцвет, ратуши могли поспорить иногда своим величием с соборами.

Живопись Средневековья

Культура Средневековья

Общая характеристика культуры

В IV столетии началось Великое переселение народов – вторжение племен из Северной Европы и Азии на территорию Римской империи. Западная Римская империя пала; другой ее части – Византии – предстояло просуществовать еще некоторое время. Наступило Средневековье – историческая эпоха, следующая за Древним миром и предшествующая Возрождению.

Истоки средневековой культуры во многом берут начало в эпохе античности. Кроме христианства, Средневековье восприняло от античности некоторые художественные формы, а также ремесленные навыки.

Образование и наука

В VII–VIII вв. существовали школы при монастырях, где учителями были монахи, а учениками, которых было очень немного, – дети рыцарей. Здесь обучали богословию и «семи свободным искусствам», а также письму и счету. Позже образование было расширено (но не для всех, а только для знати) – изучали латынь, право, медицину, арабский язык.

Из этих школ возникли университеты (от слова universum – «сообщество»):

1) в Болонье (Италия, 1088);

2) Кордове (Испания, IX);

3) Оксфорде (1209 г.);

4) Сорбонна в Париже (1215 г.);

5) Вене (1348 г.) и т. д.

Университеты пользовались внутренним самоуправлением (избирали ректора и т. д.). Обучались здесь широкие слои населения. Формы обучения – лекция (чтение специализированного текста и комментарий к нему) или диспут (открытый спор участников семинара), по окончании учебы выдавалась грамота. Существовали и учебники.

Науку Средневековья открыли богословы IV–V вв. – так называемые «отцы церкви»:

2) Амвросий;

3) философ Боэций;

4) историки Иордан и Беда Достопочтенный.

Центром «каролингского ренессанса» стала так называемая академия – ученый кружок при дворе Карла Великого, созданный в 794 г. по образцу античной школы. Лидером академии стал богослов и поэт Алкуин.

В XII–XIII вв. наука продолжает активно развиваться. Основой ее становится схоластика – учение, при котором действительность постигалась с помощью логики разума. При этом схоласты часто увлекались словесной формой, за которой плохо угадывалось содержание, т. е. писали и говорили тяжелым малопонятным языком.

Выдающимся ученым Средневековья был Фома Аквинский (1225–1247), преподаватель, автор 18 трудов по богословию и философии.

Другим знаменитым ученым был Роджер Бэкон (1214–1294) – естествоиспытатель, преподаватель математики и философии.

Мировосприятие. Литература. Театр

Варвары поклонялись силам природы; громную роль в их жизни играли магические обряды. С возникновением и развитием в Европе государств, стержнем жизни и мировосприятия человека становится христианская религия. Вся жизнь рассматривается только как короткий отрезок, полный опасностей для человеческой души. Идеалом становится жизнь без излишеств и порочных радостей, искренняя вера в Бога, соблюдение ритуалов, а также такие качества натуры, как смирение, терпение, добродетель, вера, надежда и т. д. Неограниченную власть, – как духовную, так и материальную и политическую, – приобретают церковь и духовенство.

Если трактаты раннего Средневековья не были обращены к конкретным слоям населения, то литература Средневековья была сословной. Исследователи выделяют:

1) крестьянскую;

2) городскую;

3) рыцарскую литературу.

Основные жанры:

1) романы;

4) эпос (дворянский);

5) повести;

6) жизнеописания;

7) рассказы;

9) воспитательные сочинения и др.

Выдающиеся произведения:

1) эпос «Песнь о Роланде»;

2) «Песнь о нибелунгах»;

3) «Песнь о Сиде»;

4) роман «Тристан и Изольда»;

5) цикл романов о короле Артуре и рыцаре Ланселоте;

6) серия романов о Лисе Ренаре;

8) новеллы.

Резко увеличилось число увеселительных и образовательных мероприятий. Перед соборами выступали проповедники, проводили дискуссии профессора и студенты. Устраивались и театрализованные религиозные представления. Соборы строились городскими мастерами (а не монастырскими, как прежде). Сами горожане часто являлись заказчиками или создателями произведений искусства для украшения соборов.

Живопись Средневековья

Так как племена варваров постоянно кочевали, их раннее искусство представлено в основном:

1) оружием;

2) ювелирными изделиями;

3) различной утварью.

Варварские мастера предпочитали яркие краски и дорогие материалы, при этом больше ценилась не красота изделия, а материал, из которого оно было выполнено.

Образцом для миниатюристов служила римская живопись. Автор средневековой миниатюры – не просто иллюстратор; он талантливый рассказчик, который в одной сцене сумел передать и легенду, и ее символическое значение.

«Каролингский ренессанс» (франц. renaissance «возрождение») – так назвали исследователи искусство этой эпохи. Многие франкские монастыри имели скриптории (книгописные мастерские), в которых монахи переписывали древние рукописи и составляли новые, как церковного, так и светского содержания. Рукописи помещали в оклады из слоновой кости или благородных металлов со вставками из драгоценных камней. В оформлении книг, помимо сложного орнамента, часто использовали мотивы христианского искусства – венки, кресты, фигурки ангелов и птиц.

Примерно в конце III в. на смену папирусному свитку пришел пергамент; вместо стиля (палочки для письма) стали пользоваться птичьими перьями.

В эпоху Каролингов необычайного расцвета достигло искусство миниатюры – книжной иллюстрации. Школ миниатюры не было, а существовали центры изготовления иллюстрированных рукописей при монастырях (например, книгописная мастерская в Ахене).

Каролингские храмы снаружи были украшены очень скромно, зато внутри блистали настенными росписями – фресками. Многие исследователи отмечали огромное значение изобразительного искусства в варварском мире, где большинство людей не умело читать. Например, в церкви св. Иоанна Крестителя (VIII в.) в городе Мюстере (современная Швейцария) находятся старейшие из известных фресок. Искусство империи Отгонов сыграло огромную роль в становлении романского стиля.

Росписи романского периода практически не сохранились. Они имели назидательный характер; движения, жесты и лица персонажей были выразительными; изображения – плоскостными. Как правило, на сводах и стенах храма изображали библейские сюжеты. На западной стене располагались сцены Страшного суда.

В XIII–XIV вв. наряду с церковными книгами, богато иллюстрированными изображениями святых и сценами из Священной истории, получили распространение:

1) часословы (сборники молитв);

2) романы;

3) исторические хроники.

Архитектура

После возникновения в V–VIII вв. государств германских племен произошло их обращение в христианство. Стали возводиться каменные христианские храмы. Храмы складывали из массивных камней, для перекрытий использовали дерево. Церкви строили по образцу римских базилик. Колонны в большинстве случаев заимствовали из античных храмов: руины служили своеобразными карьерами для добычи нового стройматериала.

Культурными центрами, начиная с X в., оставались монастыри и церкви. Храм, имевший в плане форму креста, символизировал крестный путь Христа – путь страданий. В X в. распространилась вера в чудодейственную силу реликвий – предметов, связанных с жизнью Христа, Богоматери, святых. Все больше паломников стремилось посетить святые места.

Король остготов Теодорих был осторожным и умным политиком, покровительствовал римской знати и церкви, науке и искусствам. Ему хотелось прослыть великим, и поэтому в его столице Равенне прокладывали дороги, возводили мосты, водопроводы, военные укрепления, дворцы и храмы, восстанавливали разрушенные здания. Кроме этого, до наших дней дошла замечательная гробница Теодориха.

А вот Карл Великий сделал столицей небольшой городок Ахен (современная Германия). Здесь были построены королевский дворец и административные здания. До наших дней сохранилась Ахенская капелла (часовня) и ворота монастыря в Лорше (современная Германия, ок. 800 г.).

С X в. архитекторы постепенно изменяли конструкцию храма – он должен был соответствовать требованиям усложняющегося культа. В архитектуре Германии в то время сложился особый тип церкви – величественной и массивной. Таков собор в Шпейере (1030–1092/1106 гг.), один из самых болыпихв Западной Европе.

В романском искусстве ведущее положение заняла монастырская архитектура. Размеры церквей увеличивались, что повлекло за собой создание новых конструкций сводов и опор. В романский период изменилась светская архитектура.

Типичные примеры французской романской архитектуры:

1) церковь св. Петра;

2) церковь св. Павла в монастыре Клюни (1088–1131 гг.).

Сохранились только небольшие фрагменты этой постройки, ее описания и рисунки. В XI–XII вв. началось строительство крупных соборов в городах на Рейне – в Вормсе, Шпейере, Майнце. В Германии сохранились и памятники светской архитектуры того времени – феодальные замки и крепости.

Искусство Италии формировалось под влиянием многовековых культурных традиций.

В Испании шла реконкиста – война за освобождение территории страны, захваченной арабами. Тогда в Испании развернулось строительство замков-крепостей. Страной замков стало королевство Кастилия. Один из самых ранних образцов архитектуры романского периода – королевский дворец Алькасар (IX в.). Он сохранился до нашего времени.